Eine Kiste mit einem Loch, sehr klein, ein Bild innen, Projektion, von außen, und auf dem Kopf natürlich! Ein kleiner Mensch darinnen: er zeichnet nach das Bild, mit Pinsel und in Farbe.

Bereits in der Antike waren die optischen Effekte einer Camera Obscura bekannt. Dringt Licht durch ein winziges Loch in einen dunklen Raum, findet sich auf der Innenwand eine Projektion des Außenraumes wieder. Bis zur Erfindung der Fotografie bestand keine andere Möglichkeit, dieses Bild von höchstem Realismus festzuhalten als durch Nachzeichnen der Schatten. Die Geschichte der Malerei lässt sich als Geschichte des Schattens lesen. Die Tochter des griechischen Töpfers Butades zeichnete den Schatten nach, den der Kopf ihres abreisenden Geliebten an die Wand warf, um sein Antlitz festzuhalten. In seinem Essay von 1933 lobt Tanizaki Jun’ichirō den Schatten und plädiert für eine Ästhetik der Dinge im Halbdunkel. Für den bis heute spürbaren Wandel des Bildverständnisses seit Beginn der Neuzeit wird zunehmend der Einfluss optischer Projektionen verantwortlich gemacht. Ausgehend von Lochkameraaufnahmen von Fenstern und Innenräumen denkt die Ausstellung im Kunstraum-Unten darüber nach, wie Malerei heute aussehen kann, die einem formal wie inhaltlich eng mit ihrer Geschichte verwurzelten Aspekt nachgeht.

Jörg Kratz wurde 1987 in Haan geboren. Von 2008 bis 2011 studierte er Kunstgeschichte und Philosophie an der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf. Seit 2011 studiert er an der Kunstakademie Münster, seit 2016 als Meisterschüler bei Michael van Ofen.

In der Ausstellung Labyrinth treten dem Betrachter Arbeiten auf und aus Papier entgegen. Nadja Nafe führt mit ihren Collagen und Scherenschnitten in eine Bildwelt, die von kontrastierenden Begriffspaaren geprägt wird. Aufbauen und Auflösen sind die beiden Pole, die den Arbeitsprozess bestimmen. In ihren aus vielen Farbschichten und Papierebenen bestehenden Collagen, Scherenschnitten und Malereien erkundet die Künstlerin Grenzverläufe zwischen gegenständlich-figurativen Andeutungen und nicht mehr gegenstandsbezogenen Abstraktionen. Diese konzeptionell angelegten »Unklarheiten« bewirken ein ständiges perzeptives Changieren zwischen Andeutungen von Fläche und Raum, von Wirklichkeit und Möglichkeit, das immer rückgebunden ist an die Mittel desverwendeten Materials und der verschiedenen Techniken.

Schwerpunkt der Ausstellung bildet eine 20 Meter lange Papierrolle, die seit 2016 kontinuierlich abgerollt und in Collagetechnik bearbeitet und erweitert wird. Das Werk ist dadurch in kontinuierlicher Veränderung begriffen und somit in seiner Präsentation und der Sichtbarmachung einzelner Wegmarken der Künstlerin temporär angelegt. Für die Ausstellung im Kunstraum-unten wird diese installative Arbeit unter Einbezug der architektonischen Situation des Kunstraums und der Umgebung – der U-Bahn Station – weiter entwickelt.

„noctiLuce“ ist eine übergreifende Video-mapping-Installation aus vier individuellen Arbeiten. Die Projektion auf dreidimensionalen Objekte –mit mehr oder weniger klaren Begrenzungen stellt die traditionelle, zweidimensionale Art von Projektion in Frage. Jede Arbeit enthält unterschiedliche Konzepte und Ideen, Haupt- und Nebenthemen, die den Künstlern betreffen. Das ganze wird zusammen mit einer Ton Einführung vorgestellt.

After a long time of preparing we are happy to announce the upcoming double solo show by matthias danberg and sven piayda entitled 'tragic kingdom (exquisite boredom)' at kunstraum unten in bochum. The show is curated by linda schröer and features photography, cgi, video and sound.
Gallery head gisbert danberg started to plan a show featuring the artists back in october 2015, different delays gave time to develop a great concept and made the show now concentrate on two artists only.
The show will be opened on september 2 and will feature an introduction speech by curator linda schröer giving a larger view on concept and exhibited works.

Also, we have a snippet from the press release:
Die im Ruhrgebiet beheimateten Künstler Matthias Danberg und Sven Piayda diskutieren in ihrer auf digitaler Bildproduktion bzw. -bearbeitung basierenden Praxis die Grenzen künstlerischer Medien. In der gemeinsam konzipierten Ausstellung „Tragic Kingdom (Exquisite Boredom)“ erweitern sie in Bildern, Videos sowie einer Soundarbeit ihre bisherigen Fragestellungen durch die Auseinandersetzung mit der Krux des Künstlerseins sowie den Unzulänglichkeiten des Kunstbetriebs

(Sven Piayda)

Das Element Wasser, Urstoff der vier Elemente ist Anfang und Quelle unseres Lebens.
Die beiden Kölner Künstlerinnen Aki Nakazawa und Irena Paskali lassen in ihren Arbeiten dieses Element auf ganz verschiedene Arten erscheinen, auch als ausgesprochen weibliches Element. Immer aber ist es für beide Künstlerinnen ein Medium, in oder mit dem sie versuchen, die eigene Identität zu definieren. Inspirationsquelle sind dabei Frauenfiguren aus alten Legenden, die eine enge Verbindung zum Element Wasser haben: Ophelia, Undine, Sirene, Loreley und Penelope.
Durch ihre Poesie werden ihre Arbeiten zu Katalysatoren. Die Tränen in Irena Paskalis Video-Installation „Salty Drops“ stehen für unsere Empfindungen. Sie repräsentieren die gesammelten Spuren der Angst, Trauer und Einsamkeit, die Frauen in der Antike ihren heimkehrenden Männern in kleinen Keramikschüsseln vorhielten.
Die Loreley in Aki Nakazawas Video-Installation "warum sie schreit", ist eine Femme fatale mit schönem Haar und bezaubernder Stimme, die mit ihrem Singen Seefahrer in den Tod lockt. Als die erwartete schöne Frauenfigur darf sie aber nur singen, nicht ihre Emotionen direkt zeigen, ihre Frustration, Irritation, Ärger…

Aki Nakazawa wurde 1976 in Tokio/Japan geboren. Sie studierte Medien- und Videokunst an der Universität Nihon. Nakazawa arbeitet in Köln und Tokio als Videokünstlerin, Kuratorin und Lehrerin für Kurzfilme und Medienkunst
Irena Paskali wurde 1969 in Ohrid, Jugoslawien geboren. Sie studierte an der Faculty of Natural Sciences und an der Faculty of Fine Arts, Skopje, Mazedonien, und an der Kunsthochschule für Medien in Köln. Paskali lebt und arbeitet in Skopje, Mazedonien und Köln, Deutschland.

Der Kölner Christoph Böll zog 1970 nach Bochum und begann ein Studium an der Ruhr-Universität Bochum. Mit dem Eintritt in den Studienkreis Film der RUB wuchs das Interesse an praktischer Filmarbeit und wurde zum zentralen Schaffen seines Lebens. Während seiner Zeit an der RUB entstanden bereits 25-Super-8-Film-Produktionen, die auf internationalen Filmfestivals in New York, Paris, Köln und Bochum liefen. Nach diversen Kinoproduktionen, wie "Der Sprinter" (1984) und "Sisi und der Kaiserkuss" (1990) begab sich Böll bald in den Dokumentarfilmbereich, wo er sich neben einigen filmischen Porträts über den Kunsthistoriker Max Imdahl, den Künstler Hänner Schlieker und die Künstlerin Milein Cosman, zunehmend auch mit experimentellen Darstellungen von z. B. Industriearchitektur und "der Ästhetik des Sinnvollen" auseinandersetzte. Der Abriss einer Kirche interessiert Christoph Böll ebenso wie das Gespräch mit einem Gärtner.
Vom 3. Juni bis zum 21. Juni  verwandelt Christoph Bölls die U-Bahnstation Schauspielhaus  in einen Projektionsraum und zeigt täglich in einem 24-stündigen Loop eine Auswahl seiner jüngeren Filme.

Angela Schillings Kunst ist cool und intellektuell, spricht weniger das Gefühl, sondern das Denken an. Auf eine Kunstrichtung oder ein bestimmtes Medium lässt sich die Bochumer Künstlerin schwer reduzieren. Mit technischer Vielseitigkeit arbeitet sie als Bildhauerin, inszeniert elektrische oder computergesteuerte Installationen, beschäftigt sich daneben aber auch mit Fotografie, seltener drückt sie sich in Malerei aus. Mit der Vielfalt ihrer Motive sticht Angela Schilling aus ihrer Künstlergeneration heraus. Fast alle ihre Arbeiten zeigen einen pointierten erzählerischen Ansatz und sind zeichenhaft auf einen komplexeren, abstrakteren Zusammenhang bezogen. Inhaltlich kreisen ihre Arbeiten häufig um das eigene Sein und die Wahrnehmung des eigenen Körpers und der eigenen Identität, die durch Maskeraden oder Persiflagen fremder Identitäten schillernd verfremdet und gar unklar wird.

Fabian Freese, geboren 1982, ist ein international aufstrebender Künstler, der 2011 sein Studium an der Freien Akademie der bildenden Künste (fadbk) in Essen beendete.

In der Ausstellung "Let me learn from where I have been" zeigt Fabian Freese Arbeiten, deren Motive er auf Reisen in verschiedenen Ländern vorgefunden hat. Sowohl in den dort entstandenen Lightpaintings als auch in den später malerisch bearbeiteten Fotografien sammelt Freese Eindrücke, die er auf den Reisen zu seinen Ausstellungen gemacht hat, unterzieht diese einem reflexiven Lernprozess und verarbeitet sie weiter. Seine "Lightpaintings" sind Fotografien, bei der LED-Leuchten durch einen Bildraum bewegt werden und durch Langzeitbelichtung dann eine Lichtzeichnung im Raum entsteht.
Daneben sind Arbeiten seiner Playground Series zu sehen, bei der Freese Spielplätze als verwischte Erinnerungen der Kindheit malt, der eigenen und auch fremder.
In seinen Mixed Media Arbeiten kombiniert Freese Fotografie mit abstrakter Malerei in dem er den Fotos Kompositionen aus Vertikalstreifen und Farbflächen hinzufügt.
Auch hier ist es die Auseinandersetzung mit dem Ort, die dazu führt, künstlerisch zu agieren und zu reagieren.
Letztlich sind seine konkreten Minimal Paintings eine weitere Form des Umgangs mit visuellen Erfahrungen. Es geht nicht um vorfindliche Orte, sondern um eine malerische Auseinandersetzung mit den Erinnerungsspuren, die Farben und abstrakte Flächen evozieren.
http://www.fabian-freese.de

Im Kunstraum-Unten zeigt Huss Malerei aus den Jahren 2013 bis 2015 und ein Display mit einer neuen Reihe von kleinformatigen Bildern, die er speziell für die Ausstellungsvitrinen der U-Bahnstation angefertigt hat.

Figur/Grund, Fläche/Raum, konkret/abstrakt, analog/digital – in seiner Malerei verhandelt Till Julian Huss grundlegende Polaritäten des Mediums. Den Ausgangspunkt seiner Leinwandarbeiten bilden Fotografien von Stoffdraperien und Papierfaltungen. Der Künstler nimmt hiermit die Tradition der malerischen Darstellung von Stoffen aus der Kunstgeschichte auf, befreit sie aber aus ihrer Funktion als Ausschmückung und Ornament. In seine Arbeiten finden sie als plastisches und mimetisches Element Eingang, werden aber durch strategische Eingriffe immer wieder in einen Zustand der Auflösung, der Verflüssigung versetzt. Huss erzeugt eine Körperhaftigkeit, die er einerseits in die malerische Sensation von Farbe und Pinselstrich und andererseits in die Schnitte und Fusionen einer digitalen Bildkomposition überführt. Eine Verschränkung von Strategien, die den genuin bildlichen Möglichkeiten geschuldet ist.

Pia Bergerbusch - Matthias Danberg - Charlotte Frevel - Daniela Glotzbach - Kirill Ivlev - Marc Heischkamp - Peter Karpinski - Stefan Klemann - Franziska Klötzler - Jörg Kratz - Weronika Malek - Anna Lisei Math - Felipe Morinelly - Franca Pape - Xenia Prüßner - Jan Rischke - Isabel Schober - Lukas Uptmoor - Malte van de Water - Yasin Wörheide - Marvin Wunderlich

Ausgangspunkt für die Ausstellungskonzeption war die Raumsituation in der U-Bahnstation „Schauspielhaus“, die - zwar nicht schmuddelig - so aber doch eine seltsame Zwischen- und Durch­gangssituation darstellt und die schnell an „dunkle Ecken“ denken lässt. Auf diesen Eindruck sollte die Ausstellung explizite eingehen. Natürlich sollten das Plakat und die Optik der Ausstellung das ebenso vermitteln und so denkt man schnell dabei an Erotikmesse-  oder Ü30_Party-Plakate, die einer charakteristischen Optik folgen. Die Assoziation Erotik und deren Doppeldeutigkeit drängte sich auf. Eher für das 'gehobenere' Kunstpublikum gedacht ist der Untertitel 'Die Intimität der kleinen Form'. Gemeint ist einerseits die Erotik oder betonte Sinnlichkeit einer Kunsterfahrung, wie sie oft in Hobbymalerkreisen und Volkshochschulkursen propagiert wird und deren Erzeugnisse sich etwa auch in Läden wie dem an der Straßenecke oberhalb der Station wiederfinden. Andererseits soll auf die Tradition im Umgang mit kleinen, nebensächlichen Produkten alltäglicher künstlerischer Arbeit angespielt werden wie eben der Handzeichnung, der Skizze, dem raschen Gedankenentwurf, der Druckgrafik oder neuer: dem Handyvideo.
All dies sind Arbeitsformen, die der Ideenfindung und dem Experimentieren dienen, die ein unmittelbareres Beobachten offenbaren, die eben keine ausgearbeiteten großen künstlerischen Formen darstellen, die aber auch schon in früheren Zeiten eben deshalb oft besonders begehrtes Sammlergut darstellten, oftmals aber nur im Verborgenen existieren: in Skizzenbüchern, Sammelmappen oder Zeichnungsschränken.
Entsprechend wurde für die Ausstellung die einfachste Präsentati­onsform gewählt: Nicht der Galerieraum als Kunstraum, der (erst) betreten werden muss, wird bespielt mit perfekt gerahmten Bildern, sondern die Scheiben und Schaufenster, an denen jeder - mit seinen Gedanken im Kopf - vorbeigeht. In der unspek­takulären und beiläufigen Präsentationsform mag so ein Überraschungseffekt gerade für denjenigen Passanten liegen, der hier eben keine Kunst erwartet.

Die Stadt ist Thema, aber der Maler ist kein Städter. Florian Fausch ist in der Schweiz eher ländlich aufgewachsen und seine Augen sind unvoreingenommen geschärft für den Blick auf das Phänomen Stadt, das er aus dem direkten Erleben einer pulsierenden Stadt wie Düsseldorf entwickelt. Sein Studium an der Düsseldorfer Kunstakademie hat ihn hierher geführt und nach dem „Meisterschüler“ den ihm Prof. Siegfried Anzinger 2007 verlieh und dem Akademiebrief 2008 ist er am Rhein geblieben. Anonymität, Flüchtigkeit und die Stadtlandschaft als vollkommen künstlich gestalteter Raum, die den Menschen als gebautes Volumen umgibt, ist Thema seiner aktuellen Arbeiten.
Kennzeichnend für Florian Fauschs Bilder sind menschenleere Räume, die dem Betrachter zwar eine Position außen vor dem Bild zuweisen, ihn aber gleichzeitig sogartig ins Bild ziehen – so als existiere eine geheime Verbindung zwischen Realraum und Bildraum. Dieser ambivalente Eindruck ergibt sich aus dem Zusammenspiel einer perspektivischen Grobstruktur und deren schrittweisen malerischen Verunklärung.
Farbe übernimmt dabei die Doppelrolle als illusionistisches Mittel und als von der mimetischen Aufgabe entbundenes Material. Bisweilen erscheint die Bildfläche für Florian Fausch Experimentierfeld der verschiedenen Arten vom Gegenstand losgelöster Farbverwendung gemäß den Spielarten der jüngeren Kunstgeschichte. Farbe wird mal sehr flüssig auf die Leinwand gegeben und durch das Bewegen der Bildtafel zum Fließen gebracht. Farbtränen und Schlieren erobern die Fläche. Neben transparenten Lasuren ragen dicke, pastos aufgetragene Farbklaster aus der Fläche auf.
(Jutta Saum)

Mit der Eröffnung der Ausstellung ORDER am Samstag, 17. Januar2015  im Kunstraum-Unten auf der Zwischenebene der Bochumer U-Bahnstation "Schauspielhaus" feierte der neue 3d-Animationskunstfilm von Matthias Danberg Premiere.
Seit fast eineinhalb Jahren in Produktion, findet die künstlerische Auseinandersetzung mit Film, Sound und verschiedenen Erzählmustern ihren aktuellen Höhepunkt in einer surrealen Utopie. Biologische Skulpturen, neue Menschen, androide Entscheidungsträger, klassische Landschaften und eine atomare Katastrophe zeichnen das Bild einer unbeständigen Welt, in der nicht länger klar ist, was warum entsteht oder vergeht; in der aber auch nichts unmöglich scheint.
Über drei Kapitel spannt sich der Bogen Danbergs Erzählung. Beginnend mit vier gleichzeitig laufenden Architekturvisualisierungen, fortgeführt in drei Bildfeldern, die sich zwischen klassischer Landschaft, Science Fiktion und mythischer Erzählung bewegt, mündet der Film in einem Finale, das nicht nur mit seiner doppelten Spannbreite neue Formate sucht. Dieses dritte Kapitel markiert mit der musikalischen Unterstützung von AESTATEs Sven Piayda eine neue Qualität in der Vertonung des Werkes von Matthias Danberg.
Mittels Split-Screen-Technik gelingt es dem Künstler in dem nur 36 qm kleinen Ausstellungsraum eine fast 3m hohe und 10m breite Videoprojektion in HD-Qualität auf zwei benachbarte Wände zu bringen. Der Betrachter kann sich nicht länger dem Bild und Sound entziehen. Er fühlt sich mitten in die Szene versetzt und ist nicht länger der distanziert reflektierende Betrachter.

In der dem Ausstellungsraum gegenüberliegende Vitrine präsentiert der Künstler erstmals eine Rauminstallation, die die vielen Möglichkeiten seines Filmes um eine reale Komponente erweitert. In Anlehnung an die Figurenaufsteller in großen Kinofoyers oder den kunsthistorischen Wegmarken wie Tom Wesselmann oder Hovard Kanovitz stellen sich dem Betrachter Cutouts entgegen, die sich eine eigene und eigenartige Welt zwischen Pop, Cinema, klassischer Plastik und Cyberpunk konstruieren.

Im Gegensatz zu den häufig dekonstruktivistischen Arbeiten der "digital Natives", der neuen digital arbeitenden Künstlergeneration, erkennt die Arbeit Danbergs die digitale Welt als ein Mehr an Möglichkeiten an und scheut sich nicht, ihr in ihrer positiv zukunftsweisenden Dimension eine Form zu geben. Bildhauerisch aufwändig, bildnerisch präzise und erzählerisch fordernd ist diese Arbeit eine Respektbekundung an den Betrachter und die Kunst.
Auch wenn die digitale Welt Matthias Danbergs künstlerisches Zuhause und der Computer das primäre Medium seiner künstlerischen Arbeit ist - so feiert er doch die künstlerische Selbstständigkeit und die künstlerische Handschrift. Seine neusten, aber auch frühere Werke sind im Kunstraum-unten in der Zwischenebene der Bochumer U-Bahnstation Schauspielhaus zu sehen.

Matthias Danberg wurde 1981 in Bochum geboren, begann 2002 das Studium der Kunst und Philosophie an der Universität Dortmund und wechselte 2003 an die Kunstakademie Münster. 2007 wurde er zum Meisterschüler von Prof. Michael von Ofen ernannt. Heute lebt und arbeitet er in Düsseldorf.
Die nordrhein-westfälische Landeshauptstadt Düsseldorf zeichnete 2013 den Bochumer Künstler mit dem Förderpreis für Bildende Kunst/ Neue Medien aus. Im gleichen Jahr war in einer Düsseldorfer Galerie 2 Monate in einer großen Einzelausstellung eine Übersicht der Videoanimationen und Digitaldrucke von Matthias Danberg zu sehen.

Gezeigt werden 2 Positionen gegenständlicher, realistischer Malerei.
Beide Maler wohnen und arbeiten in Berlin und waren mehrfach gemeinsam in konzeptionellen Gruppenausstellungen vertreten. So im Kunstverein Ulm, im Haus am Kleistpark Berlin und im ARD Hauptstadtstudio in Berlin.
In der Ausstellung im Kunstraum Unten wird durch den Dialog der unterschiedlichen Motive und Themen eine schnelle Einheit der Erzählung sichtbar.
Jens Hausmann beschäftigt sich vor allem mit Architektur die ihren Ursprung in den Utopien der klassischen Moderne hat. Dargestellt sind Wohnhäuser (Villen) oder architektonische Anlagen, die in der Regel parallel zum Bildrand gleich einer linearen Kamerafahrt im Film, einen Eindruck von Vororten der Oberschicht wie sie weltweit existieren, wiedergeben. Der international Style mutiert zu Traumkulissen einer globalisierten Mittelschicht wie wir sie aus Film und Werbung kennen. Orte des Livestyle und der Dramen der Reichen.
Sven Reile beschäftigt sich mit der Darstellung des Kosmos und seiner sogenannten Himmelskörper. Er zitiert in seiner Malerei die bildtechnische Wiedergabe der menschlichen Versuche der Vermessung des Alls. Die von Kratern übersäten und zer -furchten abweisenden grau-blauen Oberflächen der Planeten, Monde und Asteroiden. Der Weltraum wird als leeres schwarzes Kontinuum dargestellt, was den Eindruck einer absolut lautlosen und unendlichen Weite suggeriert. Im Kunstraum Unten sind eher kleine Formate von Sven Reile präsentiert, die in ihrem bedeutungsvollem Schwarz, in einem aktiven Wechselverhältnis zu den größeren Formaten Jens Hausmanns stehen.
Beide Maler verzichten in ihrem künstlerischen Streben, trotz des realistischen Sujets, auf eine vordergründige Erzählung. Diese entsteht aber im Verbund beider Positionen auf subtile Weise.
Die fehlende Präsenz der Bewohner der Häuser in Jens Hausmanns Bildern, das Fehlen aktiver Lebensspuren um irgendwie einordnen zu können was die Menschen bewegt und umtreibt, von der großen Bühne ihres modernen Ambientes abgesehen, wird scheinbar sinnlos, aber dramatisch gesteigert durch die bildlichen Spuren ihrer Versuche das All zu erforschen. Inspiriert von Stanlay Kubrick´s Film `2001 - Odyssee im Weltall´ werden in einer klaren und lesbaren Bildkonstellation im Ausstellungsraum die Fragen nach dem Aufbruch, dem Niedergang und dem Übergang der Menschheit in andere Dimensionen gestellt.
Die Melancholie des Individuums im Angesicht der lautlosen Unendlichkeit des Alls und seiner absurden Entsprechung im sinnlosen Luxus des Irdischen Daseins als Placebo im Angesicht einer metaphysischen Ewigkeit.

Anlässlich der Shakespeare-Tage und 450-Jahrfeier im November 2014 in Bochum wird der bochumerkünstlerbund im „Kunstraum-Unten“ in der U-Bahnstation „Schauspielhaus“ vom 17.10.2014 bis zum 14.11.2014 die Ausstellung ‚Ist dies schon Wahnsinn, so hat es doch Methode’ präsentieren. (‚Ist dies schon Tollheit, so hat es doch Methode‘) (Dieses Zitat stammt aus Shakespeares Drama »Hamlet« II, 2. Der Oberkämmerer Polonius, der im Dialog mit dem ihm geistesverwirrt erscheinenden Hamlet diese vermeintliche Verwirrtheit näher zu ergründen sucht, spürt unbewusst den Hintersinn in den Äußerungen und im Verhalten Hamlets.)

17 Mitglieder des bochumerkünstlerbundes zeigen ihre Gedanken und Assoziationen zum Thema Wahnsinn mit Methode in Form von Zeichnung, Malerei, Foto, Objekt und Installation teilweise streng auf Shakespeare bezogen, teilweise in freiem Zugang zu dem Zitat .

Kunstraum-unten in der Bochumer U-Bahnstation Schauspielhaus zeigt ab Freitag, 28. August 2014 Collagen, Malerei und Objekte der 1989 in Bochum geborenen Künstlerin 
A N J A   W A R Z E C H A. Nach dem Abitur studierte sie von 2008 - 2014 Malerei an der Kunsthochschule Burg Giebichenstein in Halle, wo sie im Januar diesen Jahres ihr Diplom machte.
Künstlerisch zu arbeiten bedeutet für A N J A   W A R Z E C H A ständig in Bewegung zu bleiben und immer neue Eindrücke aufzunehmen und zu sammeln. Dies geschieht nicht bewusst in dem Sinne, dass sie bestimmte Aspekte der Außenwelt - sei es in Form von Natur oder Stadt - unmittelbar auf ihre spätere künstlerische Verwendung abtasten würden. Vielmehr basiert die „Sammlung“ auf einzelnen Elementen, die in ihrer ganz persönlichen Wahrnehmung „besonders“ sind und ihr aufgrund bestimmter Eigenschaften im Gedächtnis bleiben; entweder, da sie sich überdeutlich von ihrem Umfeld abheben oder sich eigentlich kaum mitteilen und gerade ihre Beiläufigkeit die Wahrnehmung herausfordert. Der Reiz liegt nun für A N J A   W A R Z E C H A darin, diese Einzelaspekte in unüblicher Form miteinander zu einem neuen Gefüge zu kombinieren und so Szenerien herzustellen, die einerseits konstruiert bis künstlich wirken und dennoch sofort als „Landschaften“ aufgefasst werden können. Im Auge des Betrachters entsteht eine Gratwanderung zwischen Wiedererkennbarkeit einzelner Elemente seiner Umwelt und der Umkehrung dieses Eindrucks, sobald sich diese bei genauem Betrachten dann doch wieder einer eindeutigen Identifizierung entziehen.

Siehe auch: Freunde der Künste

Wer’s findet, darf’s behalten

Gefundenes, Gesammeltes, Altes und Neues waren schon immer wichtige Ausgangsmaterialien für den Kölner Maler Michael Peltzer. Zum ersten Mal zeigt der Künstler ab Freitag, 20. Juni 2014 eine Auswahl seiner über die letzten Jahre entstandenen Collagen in der Ausstellung „Finders Keepers“ im Kunstraum-unten in der U-Bahnstation Schauspielhaus.
Die Collage als das Aufkleben von Papier und Stofffetzen wurde Anfang des 20. Jhd. in der Kunst von den Kubisten, dann von den Dadaisten und Surrealisten erstmalig erprobt. Inzwischen aber gilt das Collageprinzip als die Leitkategorien der modernen Kunst.
Michael Pelzer entnimmt seine Bildmotive jahrelang gesammelten Zeitschriften, Tageszeitungen, Bildbänden oder Postkarten. Er löst sie aus ihren ursprünglichen Zusammenhängen heraus, isoliert sie und setzt diese Fragmente unserer alltäglichen Realität zu ganz neuen spannenden Welten zusammen. Selbst aus Teilen, die einander ganz entgegengesetzter dinglicher und räumlicher Art sind, schafft er neue interessante Kunstwerke.
Michael Peltzers Collagen sind ganz eigenständige Werke. Sie bieten dem Künstler daneben aber auch immer wieder Ansätze für seine Malerei, wie in der Ausstellung anschaulich zu sehen ist. Als Bildmotiv oder Idee werden sie Auslöser für einen impulsiven Malprozess, in dem der Künstler Actionpainting und gegenständliche Malerei zusammen kommen. Peltzer versteht sein Handwerk als kontrollierte Spontaneität. Charakteristisch an seiner „Handschrift“ ist die Farbschüttung. Aus Bechern, Näpfen und Töpfen verteilt er flüssige Farben auf der auf dem Boden liegenden Leinwand. Den Zufall nutzend, bringt Peltzer dann mit spontanen Pinselgesten und kalkulierten Rakel- oder Spachtelzügen das in der sich ausbreitenden Farbe noch verborgene Motiv zum Vorschein. Dabei erreicht er einen Schwebezustand, der sowohl in die abstrakte wie auch in die gegenständliche Richtung offen ist. Die Bildmotive sind scheinbar schon in Auflösung begriffen, obwohl sie umgekehrt noch gar nicht vollständig aus der ungestalteten Farbmasse herausgetreten sind.

Michael Peltzer, Jahrgang 1977, gebürtig aus Bonn, ist Meisterschüler der Kunstakademie Münster, an der er von 2001 bis 2008 studierte. Er lebt und arbeitet in Köln.

Ein Balkongeländer, ein halb heruntergelassener Rollladen vor einem Fenster mit einem Blumenkasten aus Plastik, isolierte Dinge unserer alltäglichen Lebenswelt, Oberflächen und Fassaden, überträgt Caroline Streck (*1986 in Kempen) als Kompositionen auf die Leinwand. Oftmals nimmt das Bild im Maßstab 1:1 die Größe des Objekts an, das zur Darstellung kommt. Die Räumlichkeit wird auf ein Minimum reduziert und das Augenmerk liegt auf der Beschaffenheit und der Struktur der flächigen Erscheinungsformen. Es sind Bilder, - gemalte Bilder, aber irgendwie auch Dinge. Die Künstlerin  weist auf die Scheinhaftigkeit der Malerei ebenso hin wie auf die Zugehörigkeit ihrer Bilder in die reale Dingwelt.
In der Ausstellung „oberflach“ im Kunstraum-Unten in der Bochumer U-Bahnstation Schauspielhaus zeigt die Künstlerin aus Saarbrücken ihren konzeptuelle Malereiansatz  vom 11.04. bis zum 23.05.2014 in einer Auswahl von großformatigen Bildern sowie minutiös angefertigten Arbeiten auf Papier.

Gesellschaft FREUNDEDER KÜNSTE empfiehlt die Ausstellung:
Caroline Streck „oberflach“ - macht das Alltägliche zum Besonderen

www.angelaschilling.net

Menschlichkeit contra Maschine steht für die 1991 geborene Yun Nam oft im Vordergrund ihrer künstlerischen Tätigkeit. Das junge Talent verbrachte ihre ersten Lebensjahre in Osnabrück, durchlief einen Großteil ihrer Ausbildung in den bildenden Künsten in ihrer südkoreanischen Heimat, wo sie die Yewon Art Middleschool sowie die Seoul Art Highschool besuchte. Seit 2009 ist sie Studentin an der Kunsthochschule Kassel.

Yun Nams handwerkliche Fähigkeiten stehen außer Diskussion. Die gezeigten Arbeiten aus verschiedenen Tusche- und Aquarellserien der letzten Jahre zeugen von ihrem hohen Können, das sich besonders durch eine ausgesprochen feine Arbeitsweise und technische Genauigkeit auszeichnet.
Trotzdem mag sich nicht jeder den Szenerien stellen, die die Künstlerin ausbreitet. Ihre Motive haben es in sich. Wer sich den Bildern der südkoreanischen Künstlerin Yun Nam nähert, braucht oft starke Nerven. Ihre Motive sperren sich gegen voreilige Vereinnahmungen und bleiben auch einem gutwilligen Publikum gegenüber manchmal spröde und abweisend. Bisweilen erfordert es sogar Überwindung, nach dem ersten flüchtigen Blick einen zweiten folgen zu lassen. Dies gilt für die Schwarzweiß-Zeichnungen, die mit raffiniertem Strich seltsam deformierte und in Verwandlungsprozessen befindliche Figuren zeigen. Verdreht und verknotet, fügen sich die Abgebildeten zu neuen Konstellationen, wachsen zusammen oder durchdringen einander.
Auf anderen Bildern der Künstlerin Yun Nam sind seltsame Prozesse um Transformation und Verwandlung im Gang, deren Anfang unbestimmbar und deren Ausgang unvorhersehbar ist. Die Künstlerin versteht es, ihre Inhalte stets aufs neue in eine phantastische und damit zeitlose Form zu überführen, da sich ihre Realitätsvorstellung nicht in der planen Abbildung des Gegebenen erschöpft.
Das gilt auch für die 4 rundgemalten Bilder, welche jeweils eine OP-Szene darstellen und durch eine enorme Farbigkeit bestechen. Es sind ausschnitthafte Einblicke, in denen die Künstlerin Menschlichkeit und Maschine in ihrer Gegensätzlichkeit konstituiert. Die organischen Elemente der Bilder definieren den Menschen als empfindendes und empfindliches, autonomes Wesen. Yun Nams Bilder gehen im wörtlichen Sinn „unter die Haut“. Dorthin blickt niemand gern. Hier wird nicht der schöne und im erotischen Sinn attraktive Körper gezeigt, sondern das, woraus der Mensch tatsächlich gemacht ist. Konträrer zum Zeitgeist, der beharrlich die Anmut der schönen Oberfläche feiert, kann man nicht liegen.

Der Ausgangspunkt von Paola Manzurs Installation „ Sintaxis“, ist ein Text von Antonin Artaud: „Manifiesto en lenguaje claro“ („Manifest in klarer Sprache“).
Artaud behandelt die Idee von „la mente“ ( lat. mens, mentis/der denkender Geist) und „la imagen“ (lat. imago/das Bild) unter der Herrschaft von „la razón“ (lat. ratio/der Vernunft). Für Artaud schafft – vereinfacht gesagt - der sprachliche Ausdruck und die begrifflich strukturierte Wirklichkeit, die durch ihn vermittelt wird, eine tiefe Kluft zum wirklichen Leben und zur Realität. Die diskursive Sprache ist grundsätzlich machtlos gegenüber dem Denken, das eigenen Gesetzmäßigkeiten gehorcht. Jeder Begriff ist Festlegung und Begrenzung. Er segmentiert, teilt auf und ist daher nicht geeignet, Realität erfahrbar zu machen. Deshalb soll Sprache nicht mehr als Darstellung und Abbild, sondern als Verkörperung aufgefasst werden.
Mit der Installation „Sintaxis“ versucht Paola Manzur sich diesem Text, bildnerisch und akustisch, anzunähern, ihn zu untersuchen, zu hinterfragen, aber auch die Vision Artauds als Ziel einer künstlerischen Auseinandersetzung Raum zu geben, die den Zufall zulässt und ihn einlädt, wahrzunehmen.
Das wesentliche Gestaltungsmittel von Paola Manzurs Installation ist die Schrift. In 5000 Jahren Geschichte hat sich die Schrift zur elementaren Ausdrucksform des Menschen entwickelt und ist in unserer Kultur allgegenwärtig. In der Kunst 20. Jahrhundert setzen u. a. Paul Klee, Joan Miró, Mark Tobey, André Masson, Willi Baumeister, Hans Hartung Schriftzeichen bewusst in ihren Werken ein.
In Manzurs Arbeit ist Schrift nicht allein Hülle für das Bedeutete, für den Text von Artaud. Schrift ist bei ihr mehr als die Umsetzung des Gesprochenen oder Gedachten. Sie ist ebenso Form und Zeichen mit einer eigenständigen ästhetischen Aussage. Als Gestaltungselemente treten neben die Wahl der Schreibschrift ihre Größe und Dichte und die Verwendung von Groß- oder Kleinbuchstaben, das Helldunkel und Farbe. Die kursive Schrift verwendet Paola Manzur wie Linien, wodurch ein eindrucksvolles Bild aus Buchstaben, entsteht. Strenge und fließende Schriftformen schaffen Kontraste, Hervorhebungen setzen Betonungen. Schrift und Malerei bilden einen visuellen Rhythmus. Der Schreibakt ist oftmals impulsiv, was die Schriftzeichen zwar schwer lesbar, aber umso ausdrucksstärker macht. Schrift wird bei Manzur so zum Medium einer sinnlichen und künstlerischen Gefühls- und Gedankenwelt.
Die äußere, ästhetische Gestalt wirkt aber ihrerseits auch auf den Inhalt zurück. Deshalb ist es unmöglich, die Buchstaben frei von der sprachlichen Verbindung und dem Denken zu betrachten, vielmehr bilden sie die Brücke, die die visuelle Welt und den Bereich des Vorhandenen mit der Welt der Gedanken und der Vorstellungskraft verbindet. Der Buchstabe berücksichtigt das Phonetische, das heißt die Gestaltung des Lautes und seiner Zeitdauer, und er ist notwendigerweise von der Musik abgeleitet.

Paola Manzur wurde am  1971 in Santiago de Chile geboren. Sie wuchs von 1971 - 1982 in Madrid, Spanien und anschließend von 1982 - 1988 San Jose, Costa Rica auf. 1990 - 1995 studierte sie Kunst an der Escuela de Bellas Artes der Universidad Catolica de Chile in Santiago de Chile. Seit 1995 lebt sie in Deutschland

Als Abschluss eines Internationalen Besucherprogramms des NRW KULTURsekretariats besuchten heute, 17.10.2013, Leiter und Kulturprogrammekoordinatoren der internationalen Vertretungen des Goethe-Instituts den Kunstraum-unten in der Zwischenebene der U-Bahnstation Schauspielhaus. Neben den Institutsleitern/innen der Goethe-Institute in Washington und Wellington/Neuseeland bestand die Gruppe aus Kulturprogrammkoordinatoren aus Sofia, St.Petersburg, Alexandria, Dublin, Kamerun, Bangalore und Taschkent.
Unter dem Thema  „Off Spaces – Neue Kunsträume in NRW“ wurden  für das Thema relevante Ausstellungsorte und Institutionen unter Leitung von Emanuel Mir besucht. Der Schwerpunkt des gesamten Programms lag vor allem beim Knüpfen von Kontakten sowie bei der Bildung eines nachhaltigen Netzwerks, das hoffentlich zu gemeinsamen Kooperationen von ausländischen und Institutionen aus NRW führen wird.

http://nrw-kultur.de/internationale-kultur/besucherprogramm/info/
https://www.facebook.com/pages/International-Visitors-Programme-NRW/349851698483884

Ausstellung einer" Expedition".  Scheibchenweise und in augengerechte Stücke zerlegt, liegen, stehen und hängen die Bilder da, vermeindlich einfach sollten sie zu genießen sein.

Julien Deiss lädt in eine Einbahnstraße ein. An deren Ende wird man sich bewusst, wie unterwürfig doch das Sehen sich gegenüber  vorgegebenen Mustern verhält.

Lachend hört man die Ironie  noch hinter sich, wenn der eigene Weg zurück beginnt und man plötzlich vor seinen innere Bilder steht. Surreale Begegnungen, die einem für Augenblicke vor die Füsse fallen.

Genau dann befindet sich alle mitten auf demselben Weg, den der Künstler gehen musste um diese Bilder zu finden.

Kunstraum-unten in der U-Bahnstation „Schauspielhaus“ zeigt ab dem 12.Juli 2013 in seiner neuen Ausstellung bis zum 09.August 2013 Arbeiten der Kölner Bildhauerin Annika Burbank und Düsseldorfer Malerin Daniela Schmitz in einer von den Künstlerinnen gemeinsam entwickelten Präsentation.

Annika Burbank wurde 1979 in Werne geboren. 2001-2009 studierte sie an der Kunstakademie Münster bei Prof. Timm Ullrichs (Meisterschülerin), Prof. Henk Visch und Prof. Katharina Fritsch (Meisterschülerin). 2005-2006 absolvierte sie ein Studium an der Ecole Supérieur des Beaux Arts Genf, Schweiz. 2009 schloss sie ihr Studium mit dem Akademiebrief ab.
Daniela Schmitz wurde 1979 in Mönchengladbach geboren. 2002 – 2009 studierte sie Freie Kunst an der Kunstakademie Münster bei Prof. Udo Scheel und Cornelius Völker. 2009 wurde sie zur Meisterschülerin ernannt und beendete ihr Studium mit dem Akademiebrief. Ihr Meisterjahr absolvierte sie an der Hochschule der Künste in Genf  bei Norbert Bisky, claudia Mueller und Peter Roesch.

Grundlage der künstlerischen Position Annika Burbanks sind das Spiel mit dem bildhauerischen Material und die Abstraktion als Methode der Aneignung einer Form. Während die früheren Arbeiten geprägt sind von der Beschäftigung mit Tiefe und Raum in Zusammenhang mit dem klassischen Motiv des Seestücks bzw. von der Umdeutung allgemein als bekannt vorausgesetzter symbolhafter Bildwelten, zeigen die neueren Arbeiten von Burbank die Auseinandersetzung mit dem bildhauerischen Material als solchem und folgen in ihrer Ausführung oft rationalen, konkreten Darstellungsweisen. Meist geht es Burbank um die Erzeugung bestimmter Oberflächen. Durch das Manipulieren des Materials, Gips oder Kunststoff, entstehen verschiedene Reliefs, Strukturen, Silhouetten. Dabei findet gleichzeitig das Prinzip der fotografischen Momentaufnahme seine bildhauerische Umsetzung: Das Material wird zum Zeitpunkt des Aushärtens in seiner gegenwärtigen Erscheinungsform festgehalten und dieser Zustand somit konserviert.
Letztendlich sind die Arbeiten von Annika Burbank aber konkrete Objekten im Raum, die kaum noch etwas mit gedachten Landschaften gemein haben und in ihrer Komposition meist geometrisch und rational angelegt sind. Als autonom existierende Werke beziehen sie ihre Faszination aus ihrer Dimension selbst und dem Verhältnis zum umgebenden Raum.

In Daniela Schmitz Bildern finden wir Dinge, die uns umgeben und mit denen wir uns umgeben – Teppiche, Vorhänge, eine bestimmte Landschaft oder Zimmerecken. in sphärisches Licht getaucht und dadurch eine unbestimmte Atmosphäre transportierend.
Diese  Wirklichkeit wird aber nicht naturgetreu dargestellt, sondern wird zerlegt. Wir sehen ein abstraktes Konstrukt aus geometrischen Formen. Einzelne Flächen treten nach vorne, während man bei anderen das Gefühl hat, man würde in ein tiefes Loch fallen.
Die sachliche Form erfährt in Daniela Schmitzs Arbeiten über die Farbe, die Modellierung von Licht und Schatten, über die Flächen, die sich plötzlich in diffuse Tiefen aufklappen etwas Irrationales. Die Flächen wollen nicht sachlich sein, sondern stellen verschiedene Stimmungen und sehr persönliche Eindrücke zur Diskussion. Die Lichtstrahlen scheinen etwas zu verheißen, die vorhangartigen Flächen etwas zu verbergen, aber weder wird die Verheißung eingelöst noch das Verborgene gezeigt., das Bild klärt letztlich nichts auf. Der Betrachter wird auf sich selbst zurückgeworfen.

Kunstraum-unten in der U-Bahnstation „Schauspielhaus“ zeigt ab dem 26. April 2013 in seiner neuen Ausstellung eine Gemeinschaftsarbeit der Künstler Bettina Marx und Thomas Musehold.
Bettina Marx wurde 1981 in Bonn geboren.  Sie nahm 2002/2003 ihr Studium an der Kunstakademie Münster auf. 2008 wurde sie von Professor Cornelius Völker zur Meisterschülerin ernannt. Zur Zeit lebt und arbeitet sie – wie schon 2011 Thomas Musehold – im Rahmen eines Künstlerstipendiums als „Artist in Residence“ in Schloss Ringenberg, Hamminkeln. In Bochum stellte Bettina Marx  erstmalig 2008 im Kunstverein Bochum aus und nahm Anfang dieses Jahres an der Ausstellung „Bis hier - 50 Jahre Kunstverein Bochum“ teil.
Thomas Musehold wurde 1982 in Mönchengladbach geboren. 2003-2010 studierte er an der Kunstakademie in Münster. 2008 wurde er Meisterschüler von Prof. Suchan Kinoshita. Parallel studierte er von 2003-2008 deutsche Sprache und Literatur an der Westfälischen Wilhelms-Universität. Heute lebt und arbeitet er in Düsseldorf.

Die im Kunstraum-unten gezeigte Ausstellung entsteht vor Ort in einem Prozess der Akkumulation und Verdichtung, der von den beiden Künstlern Bettina Marx und Thomas Musehold als kollektive Akteure getragen wird. Ungewöhnlich, weil niemand zu Beginn genau weiß, was ihn - als Künstler und als Kunstkonsument - am Ende des Schaffensprozesses genau erwartet. Der Ausstellungsraum ist dabei als Handlungsraum zu verstehen. Material kann fast alles sein: Baustoffe, Fundstücke und Objekte aus dem urbanen und persönlichen Umfeld der Künstler, Kunst- und Designgegenstände, Pflanzen und Vermittlungsmedien - aus unterschiedlichen Form- und Funktionszusammenhängen” im Kunstraum in Szene gesetzt. Die neuen Nachbarschaften der zusammen getragenen Materialien erzeugen blinde Stellen, an denen gewohnte Kategorien nicht mehr greifen und die eine alternative Seh- und Erfahrungsweise kultivieren.

Kunstraum-unten zeigt ab dem 1. März 2013 Landschaftsgemälde und Zeichnungen des 1982 in Shanghai (China) geborenen chinesischen Künstlers Jun Jiang in einer Einzelausstellung. In seinen meist mehrteiligen, oft extremformatigen Tafelbildern verknüpft Jun Jiang, Meisterschüler an der Kunstakademie Münster, westliche Seherfahrungen und Bildauffassungen mit traditionellen chinesischen Strukturen der Malerei und experimentiert so mit neuen Möglichkeiten der Wahrnehmung. Durch Zusammenfügung verschiedener, filigran ausgearbeiteter Szenen schafft er ein additives Beziehungsgeflecht räumlicher und zeitlicher Natur und setzt es so in Szene, dass es auf den ersten Blick unserer - auf naturwissenschaftlichen Beobachtungen basierenden- Erfahrungswirklichkeit entspricht Seine Bilder wirken faszinierend dreidimensional – allein, indem er Horizontale und Vertikale geschickt miteinander verwebt. In den Tiefen seiner Bildwelten kann man sich verlieren – ja fast verlaufen. Erst bei genauerer Betrachtung zeigen sich ‚Widersprüche’ und langsam formt sich die Einsicht, dass Jun Jiangs Bilder ihrer ganz eigenen inneren Logik folgen. Diese Erkenntnis stellt sich im Detailreichtum seiner ‚Heroischen Landschaften’ auf Leinwand eben so ein, wie im Minimalismus seiner Aquarelle.

Julia Sossinka wurde 1983 in Hattingen geboren . Ab 2002 studierte sie an der Kunstakademie Düsseldorf, wo sie 2008 von Akademiedirektor Prof. Markus Lüpertz zur Meisterschülerin ernannt wurde. 2009 schloss sie ihr Studium mit dem Akademiebrief ab.
Julia Sossinka gehört zu einer Generation zeitgenössischer Künstlerinnen, die, in der Auseinandersetzung mit ihrer Umwelt, Werke voll Inspiration und unbekümmerter Neugier schafft. Mit scheinbar wertlosem Kram - „Verlorenes und Gefundenes“, Weggeworfenes aus Plastik, wie Tüten oder Verpackungen, Reste von Stoffen, Tüll, Papierschnipsel, Stäben und Kugeln - schafft sie frische, fast überraschend fröhlich anmutende Collagen. Die anscheinende Nutzlosigkeit der unterschiedlichen Materialien, die ihr ins Auge fallen, wandelt sie durch ihre Verwendung in komplexe Bilder um. Als plastische Objekte, als Teil von einem Ganzen, verleiht sie ihnen ganz neuen Ausdruck.

Sossinkas Materialkompositionen liegt die Formensprache der Natur zugrunde. Vegetative und florale Formen assoziieren Landschaftliches. Darstellungen von Naturerscheinungen, wie isländische Geysire, oder Naturformen, wie Pilze oder Pyrite, lassen in Sossinkas Malerei - ohne dass diese Naturausschnitte realistisch zu identifizieren wären - Erinnerungen an bereits Gesehenes, jedoch Vergessenes, wach werden. Der Blick dieser Künstlerin richtet sich auf eine Welt, die außerhalb der normalen Wahrnehmung liegt. Die  farbigen Lasuren führen den Betrachter auf längst verwachsene Wege, verweisen auf rudimentär verbliebene Spuren und lassen in der poetisch anmutenden Farbwelt  Geheimnisvolles entdecken.

Kunstraum-unten in der Zwischenebene der  Bochumer U-Bahnhaltestelle „Schauspielhaus“ zeigt ab Sonntag, 09.Dezember 2012 um 11:00 Uhr, in der neuen Ausstellung  „EXHIBITION“ einen Überblick über das künstlerische Werk von Gisbert Danberg, angefangen mit dem programmatischen Ölbild „Ms Triumph“ von 1986 bis zu der neusten Bronzeplastik „Ursutaurus“ vom November 2012.
Der aus Bochum stammende Künstler studierte von 1971 – 1977 an der Kunstakademie Düsseldorf und ist seit 1978 als Kunstlehrer an einem Bochumer Gymnasium tätig. Daneben präsentiert Danberg seit über drei Jahrzehnten seine Werke kontinuierlich der Öffentlichkeit in Einzel- und Gruppenausstellungen. Er ist Mitglied des Bochumer Künstlerbundes und des Berufsverbandes Bildender Künstler, Westfalen. Seit 2011 betreibt er den Kunstraum-unten, ein nichtkommerzielles Ausstellungsprojekt zur Förderung  junger Künstler.

Das künstlerische Schaffen von Gisbert Danberg ist bis 2009 vorwiegend durch Ölbilder gekennzeichnet, die sich, mit feinsten Pinseln auf Leinwand und/oder Holz gemalt,  an der sichtbaren Wirklichkeit orientieren.  Dabei setzt er sich speziell mit der Relation von Realität und Abbild auseinander und gewinnt aus ihrer Darstellung Bilder von faszinierender Eigenständigkeit. Seine Bildthemen – meist  Stillleben und Landschaften - reihen sich in die Tradition der Malerei ein. Das Außergewöhnliche ist seine Malweise und die Verschränkung  unterschiedlicher und z.T. widersprüchlicher Realitätsebenen. Danberg entwickelt in seinen Gemälden eine besondere Affinität für die Wiedergabe differenzierter optischer Phänomene wie Volumen und Plastizität,  Stofflichkeit und ausgeklügelte Licht- und Schattenwirkungen, die er fast fotografisch getreu gestaltet. Beim Betrachter wird der Eindruck von dreidimensionaler, "ertastbarer Wirklichkeit" mit all ihren   Zufälligkeiten erzeugt. Er schafft Abbilder von zwingender Gültigkeit, bisweilen sogar die Grenzen zwischen Abbild und Realität eliminierend – in guter alter Trompe- l’oeil-Tradition.  Trotz exakter Abbildgenauigkeit eröffnet sich immer auch der Imagination des Betrachters Raum zur Vorstellung hintersinniger Projektionen und Reflexionen.
Ab 2009 wendet sich Danberg den digitalen Medien zu als neues, unverbrauchtes Mittel künstlerischen Ausdrucks. Er bedient sich jener Techniken und Computerprogramme, die gerade aktuell in der Technik-, Film- und Medienwelt benutzt werden. Der abbildenden Funktion von Kunst, der primären Funktion von Kunst überhaupt, kommt in Gisbert Danbergs plastischem Schaffen weiterhin wie schon in der Malerei eine zentrale Bedeutung zu. Mit 3D-Modeling-Software, die ansonsten von Architekten, Ingenieuren, Designern oder Filmemachern eingesetzt wird, erstellt er fast vergleichbar dem traditionellen Modellieren mit Wachs oder Ton Figuren von Menschen oder Tieren virtuell am Computer.  Aber nicht eine fotografisch genaue Realitätsdarstellung wird wie in seinen Gemälden angestrebt, sondern durch Abstraktion auf die Wesensmerkmale der Form das polygonale Grundprinzip virtueller 3D-Welten und damit deren prinzipielle Zeichencharakter verdeutlicht. Die Transformation der virtuellen in eine physisch präsente Form erfolgt in einem weiteren  Arbeitsgang auch erst im Computer, dann aber in traditioneller Handwerksarbeit aus Papier, in letzter Zeit auch aus Bronze.

www.gisbert-danberg.de
www.kunstraum-unten.de

Der 1980 in Osaka geborene Masakazu Kondo begann nach einem Designstudium an der Hochschule für Kunst und Design Kyoto, sein Studium 2005 an der Kunstakademie  Münster. 2009 wurde er Meisterschüler bei der international bekannten Künstlerin und Professorin  Katharina Fritsch und wechselte 2010 an die Kunstakademie in Düsseldorf, wo er heute noch lebt und arbeitet.
Präzise wie Darstellungen von Naturforschern der letzten Jahrhunderte, weisen Kondos großformatige Zeichnungen  jedes kleinste Detail auf. In einer an klassische Traditionen anknüpfenden Perfektion zeigen seine  Bilder Tiere, selten Pflanzen, isoliert vor indifferentem Hintergrund. Was auf den ersten Blick wie fotografiert aussieht, entpuppt sich bei genauerem Hinsehen als Zeichnung mit dem Kugelschreiber, einem wenig beachteten Wegwerfartikel. Feinste Linien verdichten sich zu Vogelgefieder, Fischen oder Zebras und wirken so plastisch, dass erst beim zweiten Blick aus nächster Nähe die feinen Striche der Stifte sichtbar werden, mit denen Masakazu Kondo die oft nur wenige Zentimeter großen Tiere minutiös  ins Gigantische überträgt. Bis zu zwei Monate arbeitet der junge Künstler an einem seiner Bilder.
Für Kondo ist die Zeichnung keine Kopie der Wirklichkeit. Seine Konzentration richtet sich entsprechend nicht ausschließlich auf das, was er zeichnet. Sein Interesse liegt darauf, den Blick auf einen Gegenstandes  in eine Zeichnung zu transformieren und damit darauf, wie er zeichnet. Es geht ihm primär um die Bildsprache, das Motiv selbst tritt eher in den Hintergrund.
Im zeichnerischen Prozess, wenn man gleichzeitig das Objekt betrachtet und zeichnet, ist für Kondo keine volle Kontrolle über die Finger der Hand, also über den physiologischen Zeichenvorgang möglich. Wenn man aber zuerst das Objekt betrachtet und dann versucht dies auf dem Papier zeichnerisch umzusetzen, fließt  in „Gesehenes" das „Vergessen" und vermischt sich mit Erinnerungen und Unbewusstem. Im Duktus der Zeichnungen offenbart sich seismographisch die Befindlichkeit des Künstlers während des Herstellungsprozesses.

Bei der Form der Werke greift Kondo oft auf das Tondo zurück, ein beliebtes Format der Florentinischen Künstler im 15. Jahrhundert. Die Voraussetzung, dass Zeichnungen an die Wand gehängt werden müssen, schränkt gleichzeitig die Präsentationsmöglichkeit ein. Mit einer Zeichnung, die flach ist, ein Objekt zu machen, ist scheinbar paradox, aber in dieser Ambivalenz liegt genau ein weiteres Interesse Kondos. Als Bild an der Wand und als Skulptur im Raum treten seine Zeichnungen in Dialog mit dem Betrachter.

Kunstraum-Unten präsentiert in seiner neuen Ausstellung "Hirnjucken und Schädelbrausen" ab Freitag, 31. August 2012 Zeichnungen und Gemälde der jungen Essener Künstlerin Mariola Laschet.
Mariola Laschet, 1977 in Groß- Strehlitz/ Polen geboren, lebt seit 1987 in Deutschland und arbeitet heute als Künstlerin in Essen. Daneben unterrichtet sie an einer privaten Essener Kunstschule für Malerei und Zeichnung.
Erlebnisse und Strukturen, wie alles, was  Mariola Laschet „im Kopf saust und braust“, transformiert die junge Malerin in Zeichnungen und Malerei. Mimetische Bilder des alltäglichen Lebens, die oft in einer humorvollen und mehrdeutigen Art und Weise durch den Umgang mit Tabus und Klischees geprägt sind, konfrontiert sie mit Gestisch-Abstraktem. Es entsteht ein Spielfeld phantastischer Denkbilder, ein chaotischer Kosmos der Möglichkeiten, der den Betrachter auf eine assoziative Wanderung entführt.
Mariola Laschet jüngste Arbeiten sind streng genommen ein Crossover von Malerei, Zeichnung und Plastik. In einer ganz eigenen Technik setzt sie die unterschiedlichsten Materialien wie Kugelschreiber, Filzstifte, Aquarell-, Acryl- und Lackfarben in einem Werk neben- und übereinander ein. Durch die häufig pastöse, beinahe reliefartige Malweise werden die in Korrespondenz tretenden Materialien, sowie die teilweise grotesken Kohle- und Tuschezeichnungen haptisch erfahrbar. In der Kombination mit realen Objekten, wie Wäscheleinen und Verpackungsbänder, die als dreidimensionale Linien die Bildformen aufgreifen und über die ästhetischen Grenzen der Bildfläche hinweg fortsetzen, wird das Bild zum dreidimensionalen Raum erweitert. In anderen Arbeiten transformiert Mariola Laschet die zweidimensionale Zeichen- und Malfläche selbst ins dreidimensionale Plastische. Die traditionellen Grenzen zwischen Zeichnung, Malerei und Plastik werden somit eingerissen. Die verschiedenen Kunstgattungen verschmelzen bei Mariola Laschet zu einer ganz neuen, spannenden Einheit.

Kunstraum-Unten präsentiert in seiner neuen Ausstellung „Flächenland“ ab Freitag, 06. Juli 2012 Zeichnungen und Gemälde der jungen Düsseldorfer Künstlerin Agnieszka Pastuszka. Nach zahlreichen Gruppenausstellungen zeigt sie in ihrer ersten Einzelausstellung Zeichnungen, Ölbilder und extra für und auf den Ausstellungsraum bezogene Wandbilder.
Agnieszka Pastuszka, geboren 1983, studierte von 2005 bis 2010 an der Kunstakademie Münster bei Katharina Fritsch und Maik und Dirk Löbbert und wechselte 2010 an die Düsseldorfer Kunstakademie in die Klasse Tomma Abts.
Mit dem Konstruktivismus in Zusammenhang stehend zeichnet sich die Arbeitsweise der Künstlerin durch sowohl streng formales als auch intuitives, prozessorientiertes Denken und der rhythmischen Organisation geometrischer Formen aus. Durch die sensible Kombination von Formen und Linien entsteht ein visuelles Gedankenkonstrukt, das einem stetigen Wechselspiel aus Assoziation und Interpretation unterlegen ist. Die Werke sind autonome Objekte und verkörpern gleichzeitig das Abbild von etwas Lebendigem. So verweist dann auch der Ausstellungstitel „Flächenland“ auf Ähnlichkeiten zur Personalisierung abstrakter Formen in Edwin Abbotts 1884 erschienenen Kurzgeschichte „Flatland: A Romance of Many Dimensions“, in der dieser eine fiktive Gesellschaft aus Linien, Dreiecken, Quadraten und Kreisen bestehend beschreibt und jedem dieser zweidimensionalen Formen aufgrund ihrer spezifischen Merkmale eigene Bedeutungen zuschreibt.

Öffnungszeiten: Do – Fr 15:00 – 19:00 Uhr und nach Vereinbarung

Kunstraum-Unten präsentiert anlässlich seines einjährigen Bestehens zwei Künstler die schon an der ersten Ausstellung beteiligt waren. Die Düsseldorfer Künstler Daniel P. Dwyer und Matthias Danberg zeigen unter dem Titel "Inventur" neue Werke ihres ungleichen gleichen künstlerischen Schaffens.

Matthias Danberg, geboren 1981 in Bochum, begann 2002 das Studium der Kunst und Philosophie an der Universität Dortmund und wechselte 2003 an die Kunstakademie Münster. 2007 wurde er zum Meisterschüler von Prof. Michael von Ofen ernannt.
Daniel Dwyer wurde 1984 in Essen geboren. Ab 2005 studierte er „Freie Kunst“ an der Kunstakademie Münster und wurde 2010 zum Meisterschüler durch Prof. Klaus Merkel ernannt. Seit 2011 studiert er an die Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Marcel Odenbach. Beide Künstler leben und arbeiten in Düsseldorf.

In medialer und inhaltlicher Symmetrie, aber künstlerischer Individualität, untersuchen beide Künstler in Videos und Drucken die Gültigkeit der Mythen einer postmodernen Generation, die mit der digitalen Revolution groß geworden ist.
Daniel Dwyer entwickelt seine Animationsfilme vorwiegend auf der Grundlage eigener Zeichnungen; in meisterhafter Weise stellt Dwyer seine graphische Raffinesse in den Dienst eines undurchschaubaren Spieles in der Film- und Mediengeschichte. Das Ergebnis ist ein Destillat der großen Film- und Poperzeugnisse seit den 1970er Jahren, von denen man viel zu kennen glaubt, aber nur wenig begriffen hat.
Zwischen angedeuteter Ironie und emotional evozierender Monumentalität umreißt Matthias Danberg die bedeutenden Topoi unserer Zeit. Seine allegorischen Szenarien, die Referenzen auf Kunst- und Zeitgeschichte und Erzählweisen des Kinos in den Look digitaler Darstellungsformen pressen, sind konzeptionell und technisch höchst anspruchsvolle Arbeiten.

Anstatt sich auf die alten Medien der Malerei, Skulptur und Graphik zu verlassen, eignen sich Dwyer und Danberg die neuen digitalen Medien als neues, unverbrauchtes Mittel künstlerischen Ausdrucks an. Beide Künstler bedienen sich jener Techniken und Computerprogramme, die gerade aktuell in der Film- und Medienwelt benutzt werden. Mit 3D-Modeling-Software, die ansonsten von Architekten, Ingenieuren, Designern oder Filmemachern eingesetzt wird, erstellen sie ihre Charakter und Lokationen virtuell am Computer und animieren sie schließlich, um dann aus einigen tausend gerenderten Einzelbildern - vergleichbar einem klassischen Zeichentrickfilm- ihre Kunstfilme entstehen zu lassen.

Ganz dem Ausstellungstitel verschrieben werden neben den Video-Präsentationen auch eine Reihe von Graphikeditionen gezeigt. Zu sehen sind Charaktere und Gegenstände, die sich zwar aus den filmischen Inszenierungen der Künstler rekrutieren, aber sich dennoch als graphische Solitäre behaupten und aus dem Filmischen gelöst neue und eigenständige Wege einschlagen.

Die 1980 in Hagen geborene Künstlerin Dorothea Schlänger, die 2007 zur Meisterschülerin von Guillaume Bijl ernannt wurde, 2010 ihren Akademiebrief der Kunstakademie Münster erhielt und 2011 ein Meisterschülerjahr bei der renommierten Künstlerin Ayse Erkmen absolvierte, arbeitet als Bildhauerin vornehmlich mit den Materialien Gips, Holz, Polyester- und Acrylharz. So abgeschlossen, „fertig“ und hermetisch die Werke zunächst wirken, so offen und nicht festgelegt sind sie eigentlich; jedes Einzelne stellt letztlich nur eine von unzähligen denkbaren Möglichkeiten dar. So entwickelt sich ein abstraktes Repertoire an Formen. Was beispielsweise in den Reliefen als Figur oder Grund zu lesen ist, bleibt immer ambivalent. In einem hellen, an ein Medaillon erinnernden Oval hängt kopfüber ein toter Fasan, in einem anderen kniet andächtig betend eine Marienfigur. Was von weitem wie eine feine Zeichnung wirkt, entpuppt sich beim Näherkommen als eine Art raffiniertes Puzzle - mit dem Unterschied, dass sich das Motiv nicht auf den Puzzleteilen befindet, sondern durch die Spalten dazwischen umrissen wird: Das Nichts, sprich die Leerräume, manifestieren sich so zu im wahrsten Sinn des Wortes greifbaren Bildern.
Architektonische Elemente, aus ihrem ursprünglichen Zusammenhang gerissen, ihres Sinns und Zwecks beraubt, werden zu neuen Einheiten zusammen gesetzt. Sie lassen sich variieren, kombinieren, spiegeln und lassen sich bei dieser Kombinierungslust irgendwann auch gegensätzlich lesen. In gewisser Weise zielt dies auf eine Verrätselung der Werke.
Fragen nach Bedeutung und Inhalt, Form und Gestalt werden scheinbar wie nebenbei behandelt und weit entferntliegende Kunststile  gleich mit diskutiert. 

Michael Peltzer ist Meisterschüler der Münsteraner Kunstakademie, Jahrgang 1977, gebürtig aus Bonn, jetzt in Köln lebend, und studierte von 2001 bis 2008 unter den Professoren Gunther Keusen, Daniele Buetti und Michael van Ofen. … Bildmotive, die scheinbar schon in Auflösung begriffen und umgekehrt noch nicht vollständig aus der ungestalteten Malmasse herausgetreten sind in die klar umrissene, mimetische Form, sind das Markenzeichen von Michael Peltzer. … Peltzer portraitiert „Superhelden“ aus Film- und Zeichentrickserien …, aber auch „Underdogs“… Er malt nach fotografischen Vorlagen … Aber die exakte Wiedergabe von Fotos interessiert ihn weniger. … Er benutzt selbst hergestellte Film-Stills als Auslöser für einen impulsiven Malprozess, in dem Aktionsmalerei und gegenständlich-figurative Malerei zusammen fließen.